"Como enferma el silencio"

Hace no mucho, una charla de trabajo se convierte en una tertulia con sabor a medicina y música, y pues dada la fascinación que me implica el tema, acá se los comparto.

Un médico melómano con el que conllevo afinidades y los desatinos con su secretaria (dado el tiempo que absorben estos encuentros) me aseguraba que la música y la salud mental eran un asunto para tratarse a profundidad, y bien, más rápido de lo previsto, otro médico con el que se dio el click por las fechorías de gentes como Arvo Pärt, Tavener, Ligety y demás dementes, me aseguró : "Se nos llama "Bohemios" como una definición de personalidad extravagante. La creencia de que un artista suele padecer alguna alteración mental y por ello comúnmente cae en la drogadicción y el alcoholismo, es una burda justificación de individuos que así explican su falta de creatividad, sin darse cuenta de que no se hacen obras de arte cuando se está demente o intoxicado, sino cuando se está cuerdo, y esta capacidad la tenemos todos en potencia...". Ahí empezó la clavadéz; le sigo.

"Sobre Syd Barret y Brian Wilson -el primero perdiendo la salud mental a temprana hora y el otro acompañado de su psiquiatra y enfermeros a cualquier presentación en vivo- recae la eterna discusión acerca de si la locura fue la causante de su genialidad, cuando la realidad es que estos padecimientos y vicios fueron los causantes de su improductividad en ascenso". Replico la charla tal cual ya que tuve tiempo de absorber parte y también tomar nota; era el momento jaja.

Recientemente leía el galeno a un colega de apellidos Ortíz Quesada, especialista en éste y otros menesteres y pues no es nada nuevo que este efecto en cadena y de boca en boca resulta el más efectivo sistema para compartir.

"Georg W. Friedrich aseguraba que la música sería el lenguaje de la filosofía, si se pudiera pensar con los oídos. León Tolstoi afirmó que la música es tan poderosa, que debía ser reglamentada por el estado". Así, esta compilación se tornaba exahustiva, máxime cuando el punto de partida fue una flauta encontrada en una cueva junto a fósiles de Neandertales, (el objeto cumple ahora entre 42 y 82 mil años de existencia). En resumidas cuentas y abocándonos a la parte medular, actualmente los efectos de la música en el cerebro son arropados por las neurociencias, basando sus descubrimientos y afirmaciones por medio de estudios de imagenología y bioquímica cerebral.

Me llamó la atención un punto en particular y en el que seguramente todos nos identificamos. De niños escuchábamos ciertas rolas y sin importar el paso del tiempo, con una sencilla nota que se nos cruce replicamos toda la pieza; siempre traemos cargando la discoteca mental. Este fenómeno fue en primera instancia el que diera pauta al estudio de las regiones cerebrales y su interacción; la vinculación de la música con el ser humano, prueba fehaciente. La memoria musical está inscrita de forma indeleble en los centros de gratificación mental.

¿Por qué recordamos melodías aún cuando hayamos olvidado el contexto en el que se dieron? Sinestesia, una condición hereditaria. Por eso Adoro a Krupa!!!!

La unión de distintas sensaciones provenientes de diferentes dominios sensoriales, una realidad. El aroma y la voz Materna inspiran hambre o saciedad. De bebés experimentamos sonidos con sabores y olores, "Bermellón picante, sonidos grises", "el rojo con los bajos y el azul con lo agudo". Al paso de los años este fenómeno se aleja de la mayoría de los humanos, ahí es donde entran la zona límbica y el cerebelo, quienes conectan de forma fija la música a nuestra existencia y le dan esa base emotiva.

Se afirma que la Psicoacústica estudia y descubre la esencia de un sistema nervioso enfermo o sano, y para nuestra tranquilidad -en espera de que nunca se nos olvide lo entrañable de una "Limelight" o la magia del "21st. Schizoid Man"-, es una realidad científica que de ancianos, mientras la memoria se nos degrada, los recuerdos sonoros perdurarán estando tácitamente a flor de piel.

¿Por qué disfrutamos tanto este menester? El proceso que desatan las notas, empezando por los lóbulos frontales, genera un efecto tan complejo que desemboca satisfactoriamente en los centros de placer y adicción, los cuales son gestores de la dopamina, un neurotransmisor al que le debemos mucho en esto de los Rocanroles....

Finalmente, nuestra amada música favorece la coherencia social y esto hace referencia a la supervivencia. ¿Qué tal los sonidos regionales y de arraigo?, (Sres. Gasparyan y Selvaganesh, nos quitamos el sombrero). Toda cultura tiene su expresión musical y ésta coexiste con sus habitantes.

Lamentablemente el acelere actual y la tremebunda cotidianeidad privan a las personas del tiempo y dedicación para escuchar buena música; dado lo anterior, otros apegos mayormente superficiales son fácil presa de las masas.

Compongamos pues los ánimos descompuestos y dediquemos cuerpo y alma a esta pasión que nos roba el sueño, finalmente ya sabemos como funcionamos por dentro y cómo es que este ejercicio se proclama saludable e imperecedero.

A ponerle “play” en el acto mis hermanos!!!!

De legendarios creadores y suculentos híbridos.

Fuera del purismo de arraigo y las creaciones de manual, algunos genios suelen fusionarlo todo, y sin reglas ni parámetros mentales, logran autenticas piezas de arte. Les comparto algunas consentidas :

Cuando la entraña se reduce sin más rebusque a exaltar lo que uno ama por origen, puede componerse partiendo como base el primigenio sonido del “Agua” y sí, aún esto suene monolítico y escaso, quien lo hace con ahínco y entrega artesanal, logra resultados insospechados.

Uno queda fascinado al someterse a un minimalista recurso sonoro que en el momento justo se abre como un diamante estallando, propiciando así que uno sea testigo de mil destellos. Música Andalusí con Poemas de Ibn Al-Jatib y el fluir del agua de las Fuentes de la Alambra y el Generalife, ambas portentosas integrantes de los jardines predilectos del entusiasta creador del trabajo. EDUARDO PANIAGUA

Sonidos lentos y suaves, así como los rápidos y animados que promulga el recorrido del agua, llevan la batuta a un desarrollo instrumental que sumando otras sonoridades naturales del entorno y propiciados igual por la arquitectura hispano árabe ahí reinante, hacen del recorrido una ansiedad absoluta por nunca bajarse de esa nube y seguir respirando por siempre la humedad y el humor que transmiten esas notas sin mayor preámbulo.

Probablemente la primer impresión para quien lee, sea la de una pachequez figurativa el simple hecho de componer con agua y haciendo de esto un pretexto superfluo y vano, con el fin de crear "arte", pero sépanse colegas que no toda esa agua suena igual y no toda la que fluye porta los dones. He ahí el alma de la consigna.

“Las variaciones y matices del sonido del agua están condicionadas por los tipos de fuentes y surtidores. Pila gallonada, de concepción califal, pequeña y de una sola pieza, el agua rebosa de la taza y sale a una alberca o a un sumidero con sonido amortiguado”...

Textualmente extraído de las páginas y así podríamos extendernos para sustentar cada uno de los cortes que integran esta delicia de plato. Paniagua y su combo tienen muchos más asuntos de entraña a la orden y para cualquier postor, casi siempre armados de Qanunes y Flautas diversas, así como de Laudes y Darbugas, voces también y unos coros celestialmente privilegiados.

Música Clásica no para el mundo, pero sí para un pueblo específico que en eternizarla lleva la razón de su existencia.

EDUARDO PANIAGUA y el ARABÍ TRIO - "EL AGUA DE LA ALHAMBRA"
Pneuma - España. 2001.

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MICHEL PORTAL es un individuo con el honor de ser uno de los creativos más prolíficos de la música contemporánea europea y si bien es el Jazz su lienzo predilecto, es en ese lazo que le une a lo Clásico, donde ha dejado legados de a libra.

El Clarinete es un artefacto que data de mediados del Siglo XVIII, y se sabe que uno de tantos músicos que le han rendido pleitesía es W.A. Mozart, mismo que en la cuarta parte de esa centuria ya tenía obras adaptadas para el mismo, el cual rompía barreras más allá del Oboe el Bassoon y la Flauta, todos ellos habituales.

Extendernos en este disco sería exhaustivo por la relación intrínseca de música, recursos, costumbres; un circulo irrompible y de matices idiomáticos encantadores. Se trata de una obra cautivadora que comandada por Portal en el Clarinete y acompañado de comenzales galos armados de Chelos, Violines, Vilonchelos y Piano, hacen de su distintivo estilo toda una experiencia espiritual. “Quinteto para Clarinete y Cuerdas” y “Trio para Piano y Clarinete alto”, ambas, partituras de Mozart.

Cabe destacar que el booklet lleva de la mano movimiento a movimiento, respaldado además por una historia fascinante de todos y cada uno de los involucrados, soportado por ilustraciones bellísimas que van desde inmortales pinceladas hasta la evolución física del instrumento y vaya.... una sensación indescriptible que da el simple hecho de verse inmerso en estos parajes.

CLARINET QUINTET - MOZART / PORTAL
Harmonia Mundi - Francia. 2005.

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Si el francés Portal ha sido exaltado por lo fértil de sus hechuras, en este instante hago un paréntesis reflexivo para otorgar a URI CAIN el lugar que merece. Este sujeto es nato revisitador y reinventor, de estilo límpido y elaborado, al igual cuando amerita lo espontáneo y minimalista el trabajo en turno; un super dotado de a de veras que en el Festival Internacional de Gustav Mahler se llevo las palmas y el corazón de los ahí privilegiados presentes, siendo su consigna una aparente animalesco abrupto en comparación con la pureza tributaria que imperaba en la noche.

Recorriendo las principales Sinfonías del festejado con todo y preludios respetados de manera impecable, Cain y su inseparable Piano (ah! por que vale la pena comentar que viaja a todos lados con él, como lo hace el mexicanísimo Carlos Prieto, que tiene como Dama de Compañía” a “Chelo Prieto” su Stradivarius Piatti de inmejorable piel y semblante, y si bien jamás este miembro de la familia estaría relegado a la soledad y a los tejes y manejes de un compartimiento de equipaje, debe pagar boleto en cada travesía y tiene hasta pasaporte personalizado, pero ¿que podría negarsele a una compañera entrañable y de más de 260 años de edad...), bueno volviendo a la médula, Cain dirige a bellacos de la talla de Aaron Bensoussan, Mark Feldman, Jim Black, Michel Formanek, Ralph Alessi, entre otros y que también incluye a DJ Olive, uno de los tratantes de la electrónica más espeluznantes y enmarañados de nuestros días.

Así como se antoja, una pleyade de recursos innovadoramente oxigenados y futuristas que jamás entran en los clichés de la world beat y otras tantas plasticidades; este es un compromiso con la sensibilidad descabellada y el mismo emana contrastes de visones y de verdades musicales logradas de diversos modos. El tiempo que vive el Uri es distinto, a veces irracional y en sumo flexible.

La Winter & Winter alemana ha logrado acumular una colección de invaluables hechos que uno a uno pueden acabar por envolvernos, tragarnos, escupirnos y uno siempre deseando que se nos vuelva a regurgitar para el repaso obligado. Los materiales y los recursos visuales elegidos para cada cual no tienen parangón. Larga vida a Edgar W. y sus necedades.

URI CAIN ENSEMBLE - "MAHLER IN TOBLACH"
W & W - Alemania. 1999.

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Ya barajeamos asuntos que hermanan a la anfitriona con el Jazz, las Raíces regionales y hasta la Electrónica, ahora toca el turno a los Parajes de panorámica apoteósica y a la Comida, y efecticvamente resulta primordial aderezar musicalmente ese lazo que une sentidos con otros de necesario placer y supervivencia. IL GIARDINO ARMONICO.

Hagamos pues ese Viaggio Musicale; el vuelo con alas de seda parte de Milán hacia Venecia y peinando todo el norte de la “Bota”; paradas especiales donde Santa María de la Salud erige su busto, donde Galileo presento al mundo su en aquel entonces reciente necedad bautizada como Telescopio, siendo amo y señor por un momento de la Torre St. Mark y, ¿por que no?, hasta el sitio templado y astillado donde Nicola Amati creo los magnánimos violines orgullo de la Cremona vieja. Para todo ello la obra musical de gentes oriundas como Monteverdi, Castello, Rossi y Merula (entre otros), no podría ser más atinada.

A todo esto, la concentración principal es para el mapa y sus encantadores sitios, sus costumbres todas y esas actividades propias para halagar los sentidos, perdurables hasta el hoy tan cambiente e impredecible. Las frecuencias que son sustentadas en lo reinante durante el Siglo XVII son pulcramente emanadas por reliquias reconstruidas y tratadas con artesanal apego, así pues, Violas de Gamba, los peculiarmente llamados Contrabbassos di Violino, el Arpa triple y el Corno mudo, son atendidos con su acta de nacimiento en mano y el reconocimiento a los prodigiosos Padres que les dieron creación. Visualmente algunos de estos instrumentos son de antología, tema difícil de tratar escribiendo, los sonidos al igual, hablan por sí mismos, los artefactos son tocados como si de la vida del interprete dependiera buscar el aura mística de su existencia.

Los Jardineros Armónicos son básicamente un quinteto, sin embargo existen invitados que comparten el placer inusitado por exaltar al mundo entero ese estilo de vida que implica el verse inmerso en la música renacentista y del seiscientos. Asuntos de divinidades.

IL GIARDINO ARMONICO
Teldec / Das Alte Werk - Italia. 2000.
El de pasta dura, es el mero!!, por contenidos.

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Por último no pude quedar fuera el abordaje hacia el Cine, el Teatro y los escenarios de eclécticos linajes. A un hombre que cualquier disciplina que le mueva un pelo le es digna para vertir toda su fuerza, no es extraño percatarse de la intimidad que el público alcanza para con éste, cuando se somete a su poliforme genialidad. En esto, pocos le hacen cosquillas a NINO ROTA.

“Fuera del contexto de trabajo, prefiero no escuchar música por que me deprime, es como una voz lastimera que me llena de pena y desesperación, ya que me habla de un país de armonía, de paz y perfección, del cual hemos sido expulsados para siempre. Por suerte conozco a Nino Rota, soy un amigo suyo, me quiere y es un parco consuelo saber que en este reino metafísico de las leyes serenas e implacables, tenemos a un pariente influyente que puede introducirse con todo honor, cogeros la mano y, si lo desea, volver a llevaros un día u otro”. Federico Fellini

Consentido del mentado, del mismo Coppola, y con un acervo de tal magnitud sobre su espalda (más de 150 composiciones llevadas a los ojos del mundo), éste incansable competidor de afables justas con Ennio Morricone, se fue a la tumba con la creencia (nada descabellada) de que muchos lo consideraban anticuado y fuera de vogues y modas instauradas. Como en varios ejemplos, su actual ausencia destapa jugosos mostos de atemporalidad y rebasa fronteras invariablemente.

Centrémonos ahora en dos encumbrados tratados “La Strada” e “IL Gatopardo”. La primera situada en la Italia de la posguerra y sus cotidianidades, para la cual todas las guías preconcebidas como sonido adjunto de la cinta, fueron desechadas por Rota, pensando que más allá de la película (1954), el montaje en doce episodios para un Ballet, basado en el guión, alcanzaría niveles de apoteosis, y vaya que lo fue. A su vez, la siguiente (1963) en contraparte diametral, fue escrita en partitura antes siquiera de amalgamar líneas y rodaje. Pero es esa magia indescriptible, la que hace embonar como anillo al dedo asuntos, cuando Rota esta inmerso ó simplemente asoma las narices. Esta última una verdadera obra maestra a tope dentro de su currícula.

Con una palpable fuga de las realidades, la música de este individuo confirma su adhesión a una estética que excede del tiempo histórico, y aún así más de uno le consideraba pasado de moda; no cabe duda que habrá siempre más criticos que actores.

Así entonces, la Suite del Ballet “La Strada”, el Concierto Soirée para Piano y Orquesta y el Bailable para fines del “Gattopardo” son interpretadas por la Sinfónica de Granada inmiscuyendo a tanta gente que resulta imposible el listado. Igual que todas, la edición impecable y de un deleite absoluto.

NINO ROTA - "STRADA, SOIREE & GATTOPARDO". LUPO / PONS
Harmonia Mundi – Edición Austriaca. 2005.


Mención especial merecen también Yehudi Menuhin, Tavener, Turnage, Savall, Reich, los King’s Noise, Previn, Glass y otros seminales que ya será pronto el compartirlos.

"De exilios"

DINA ROT - “Una Manu Tumó L’Ótra”

A la Memoria de Clarisse Nicoidsky
(Agosto, 1938 – Diciembre, 1996)

Judíos con arraigo en España tuvieron que abandonar su hogar milenario debido al decreto de los Reyes Católicos, esto con fecha del 31 de Marzo de 1492. Divididos en dos, el primer bloque decidió quedarse con la convicción de transformarse al cristianismo, aportando al patrimonio religioso y cultural oriundo; el segundo, ya disperso por todo el mediterráneo conservó por generaciones su único tesoro, el idioma SEFARDÍ (Por “Sefard” denominación bíblica de España), conocido también como “Ladino” ó “Judeo Español”, que no es mas que un castellano con términos incrustados en hebreo, acorde al cotidiano acontecer comunitario en toda índole.

Clarisse Nicoidsky, francesa, es una poeta de cuño inmenso y para quien el “Ladino” es el lenguaje de infancia; en él refugió el recuerdo de su madre fallecida y con convicción decidió perpetuarlo :

“No sé nada de religión o cerca nada, ma quisiera que estas palabras en la lingua perdida sean para ella, mi madre, como un kadish, repetido a menudo”.

Juan Gelman, argentino exiliado de origen judío mas no Sefardí y radicado en México D.F. se obsesiona con buscar el sustrato de ese castellano, sustrato a la vez del nuestro y como describiera de viva voz :

“Como si la soledad extrema del exilio me empujara a buscar raíces en la lengua, las más profundas y exiliadas de la lengua. Yo tampoco me lo explico.”

Dando paso al personaje central de la reseña, DINA ROT, amante del sentimiento literario de los antes mentados, decide, después de conocerlos y entablar amistad entrañable, rendir tributo a su obra con lo mejor que sabe hacer, “cantar”. Con voz privilegiada de matices abismales y color intenso, sólo necesita dejar fluir su sentimiento a cada frase pronunciada para transmitir a quien escucha, todo ese abanico de benditas posibilidades, deleitando –créanme- más allá de lo habitual, de lo concebible.

“En mi voz vibra la de mi madre, que oficia desde su dolor, y el padre de mi madre continúa el canto que quedó muy lejos en una sinagoga en Rusia y mi padre reverencia al suyo y todos juntos ofrendamos la liturgia de un arpegio inagotable. Las convoco para cantar con ellas esta historia de voces, de caminos, de exilios y desgarros.”

El punto de equilibrio para dar forma y fondo a la bella consigna es sin duda Eduardo Laguillo, fino músico, compositor, arreglista e ingeniero de cabina a quien Rot confió el saldo final. Sentados en la mesa y con los borradores frescos, pactaron crear arreglos nítidos y sintéticos, bellas y simples melodías que dialogaran con una, la principal, y vaya que lo lograron. Finalmente ese espacio sonoro permitió que la voz pudiera expresarse sin temor a ser tapada por una marabunta sónica, tal cual lo describen. A fin de cuentas se respetó y potenció al máximo el espíritu oculto de cada poema.

Podrán ustedes imaginar ahora como suena esta colección de 18 piezas que en una atmósfera de música antigua, permite echar la mente a volar dejándose seducir por tanta sutil maravilla.

La elección de los instrumentos es memorable y considero necesario compartirla: Guitarra Española, Chelo, Arpa, Santuri, Saz, Baglamá, Bodhram, Doira, Bandoneón, Clarinete, Clarinete Bajo, Flauta, Flauta Dulce Bajo, Piano y Sintetizadores. Todos ellos sólo adornan la voz y de cada uno valdría la pena un espacio aparte para describir sus impensables alcances, por ahora sólo me resta hacer hincapié en la valía de este trabajo para cuando una tarde de calma, permita correr sin interrupción y reparo, la poesía cantada de una lengua inmortalizada.

1- Il Vestidu abudacadu

2 - Quedati cun mi

3 - Dizis avlas cun arvullis

4 - Partindu di tu ladu

5 - Sintí tu boz in mi ventana

6 - Ondi stá la yave

7 - La mar

8 - Si me dexas

9 - No stán muridus lus páxarus

10 - Salió un gritu di tu boca

11 - Qui lindus tus ojos

12 - Quimedura di yelu

13 - Mirandu il manzanu

14 - Estu es solu para ti y para mi

15 - Quirinsioza

16 - Cara, boz y locura

17 - A la manaña dil lugar

18 - Una manu tumó l´otra

LcD el Europeo, Karonte Producciones. 1997 (Pasta dura que encierra un cuadernillo para aquilatar, dado lo plasmado).

Viajezotes sin lentes 3D, ni substancias

Con ese afán de seguir volteando al pasado y en este caso no tan añejo, les comparto dos sentires personales de un par de platos -a bien sirva esto de sugerencia- para cuando quieran echar a volar el sistema nervioso:


JAH WOBBLE - "Inspiration of William Blake"

ALL SAINTS RECORDS - (1996).

El asunto con Jah Wobble es todo un acontecimiento dado el personaje que es y lo que hace. Surgido de un entorno explosivo y de instintiva protesta, este sujeto dio sus primeros brotes a lado de Jhonny Rotten, en un proyecto llamado Public Image Ltd y sí, yo también me pregunté, ¿tendrá algo que ver el Punk con la poesía de un individuo como William Blake?, mucho. El mismo Jah describe sus vastos recursos como causal de inquietudes y arrebatos en los que se ha visto inmerso desde mozuelo, sintiéndose un ilimitado creativo en medio de una gigantesca batidora. ¿La mezcla?, pues ahí les va, para éste trabajo echa mano de gente como Jaki Liebezeit en la bataca (no necesita presentación), éso no es extraño dadas sus anteriores complicidades con el mismo Holguer Czukay, con Brian Eno, el Bill Laswell, y como no hay barreras del sonido, existen también registros de armonías embelesedoras junto a Baaba Maal, Evan Parker y Pharoah Sanders por citar algunos. Sonidos de belleza inusitada.

Retomando, aquí la base a disectar es la percusión, ya que de ella se desarrollan las agregadas atmósferas y ambientes impolutos que envuelven al disco, producto de la impaciencia del mentado. Ejercicio "progresista" en compañía de otros talentos que sería tedioso enlistar, y que completan ese puntual trabajo percusivo, adicionando también voces de melodías idílicas y otros tantos menjurjes; basta resaltar que Wobble se hace cargo del bajo, vibráfonos, filtraciones de sonidos, orquestaciones, teclas respirables y hasta un gong.

Imaginen un híbrido que va desde sometimientos a la Schulze, a la Neu, y que desembocan en asperezas de negritud selvática con ese característico sonido que constituye el fulgurante núcleo de la música ancestral. Y me quedo corto, basta con descubrir a cuenta gotas cada frecuencia para percatarse de la intenciones de una mente enferma, pero sin duda lúcida como contadas. ¿Con qué fin se avienta este trompo?, pues sólo con la intención de darle esencia musical a una revisión de los poemas más irrebatibles de William Blake, mismos que son exaltados durante todo el viaje.

No existe similitud entre cada corte, éllo hace suponer que se imponen tendencias provenientes de todas sus épocas, (incluidas las coyunturas que brotaron con Primal Scream y los Massive Attack). Lo mejor es que aún después de desbaratar el mentado plástico, tendrán plena seguridad que al hacerse de cualquier otro de Wobble, la presunta expectativa y previa suposición, serán absolutamente inútiles.


El otro :


HIM - "Sworn Eyes"

PERISHABLE RECORDS - (1999).

H I M (por piedad no confundir con los nórdicos pseudo-metaleros). Efectivamente son noveles (diez años en andanzas), y si bien hacen lo propio con limpieza y atino, justo sería destacar ese alejamiento del metódico jazz eléctrico que tanto olvida los arrebatos y genialidades callejeras a la hora de retomar la vena como base, por el contrario, encontramos en este disco a un Miles resucitado que pareciera que en un contraste entre cerebro y pulso, ofrece una guía sensorial para llevar el cuerpo a un lugar más allá de la estratosfera y ser testigos sin que nadie nos cuente, de cómo es que se derraman las estrellas. Vaya, un viajezote .

Un asidero rítmico y armónico de agasajo, texturas que sí existen (ahora lo sabe uno) a manos de loops y manejo de delays que hacen eco, muy lejos también de los trillados paseos del Dub-Jazz común y sin sobresalto. Ésto da para encontrarle nuevos rostros a cada alternativa, a cada recurso.

Aquí no se abren puertas, más bien se destapan tubos que a velocidad palpable logran sonidos tan halagadores como inusitados. No hay bateristas pero sí golpes de electrónica que pasteurizan patrones mínimos de exigencia, no hay bajistas pero si hallazgos sonoros que emulan algo más que yemas en cortejeo con cuerda gruesa; tampoco existen saxos pero sí reverberancias que, de ser emanadas al natural, los harían artefactos prodigiosos, que bueno… seamos sinceros, ya lo son.

Hago referencia a un álbum que busca seducir más que apabullar a quien lo coloca en el aparato, se somete y lo desmenuza.

Los intérpretes y pensadores :

Jeff Parker evoca una exótica y sutil lira.

Bundy Brown trata el bajo a su manera.

Rob Mazurek le hace a un tal "Coronet" ? ?, (que todavía investigo con que guarnición se acompaña…)

Julie Liu trabaja otras cuerdas.

Finalmente el Doug Scharin se encarga de las percusiones peculiares ya comentadas.

Si les suenan algunos nombres es sin duda por que ya han hecho otras travesías justificando nómina con vibras grandilocuentes a la Tortoise, Isotope 217, Thermoderm y un considerable etcétera subterráneo.


A CAZAAAAAAAAARRRRRRRRR!!!!!!!!!!!!!!!!

UNA HISTORIA DE AMOR

La mítica JOYCE HATTO, pianista inglesa que mucho tiempo luchó por su salud y el último round lo perdió a la edad de 77 años. Vale la pena echarse un clavado a la nota que en son de pésame emitiera en su momento el diario británico "The Guardian" :

"La Pianista Joyce Hatto ha muerto. Su brillante carrera fue cortada por un cáncer que adquirió en los años 70 y al que sobrevivió gracias a un oportuno tratamiento que recibió en el Addenbrooke´s Hospital de Cambridge, aún cuando se retiró permanentemente de los escenarios. Su legado es una discografía que en cantidad, gama musical y calidad constante, ha sido igualada por contados pianistas en la historia".

Apabullados, los seguidores fieles de la instrumentista oriunda de St. John´s Word (Londres) no daban crédito del hecho, pero ahí estaba, una currícula de 110 grabaciones editadas durante 30 años, esto en el estudio de grabación de su representante y marido William Warrington Coupe. Los acérrimos fans, olvidaron rápidamente la acusación que hiciera presa a la pianista un año antes de su muerte, formulada por Marc-André Roberge -musicólogo reconocido- quien afirmaba que con base en una investigación de iniciativa propia, la mentada interprete era un "fraude".

El veredicto secundado por el también musicólogo titular de la facultad de Música de la Université Laval en Canadá, aseguraba que una de las grabaciones de la inglesa sobre la obra de Leopold Godowsky, registraba una nota falsa, idéntica a una registrada en un disco del pianista italiano Carlo Grante. Aún así, pocos se alertaron y en ningún momento se tambaleó el prestigio y trayectoria de la Dama.

Uno de los que sintieron las chispas de la mecha fue el editor de la mítica revista Gramophone, James Inverne, quien fuera uno de los más asiduos impulsores de la carrera de Hatto. Aún con el gusano a flor de piel, hacía a un lado las declaraciones de Roberge y lo colocaba como un amargado crítico de pacotilla, sin embargo se dio a la tarea de profundizar.

Inverne dio a un atinado ingeniero de sonido de nombre Andrew Rose, quien fungía como primero de abordo en el incorruptible sello Pristine Audio, una grabación de Doña Joyce titulada "Etudes d´ Execution Transcendente" bautizada así por Franz List, ésta fue cotejada quirúrgicamente con un registro anterior realizado por el húngaro Laszlo Simon pianista de cepa y de intachable interpretación.Bastaron segundos y el programa Adobe confirmó que las imágenes osciloscópicas de ambas grabaciones eran idénticas, entiéndase pues, una sola grabación existente.

El sello que editó el álbum de la ahora sí consagrada fantasma fue Concert Artist / Fidelio.

La sorpresiva muerte de la pianista retrasó la difusión de los hechos mas no la continuidad de la investigación, que debería de llegar hasta la última piedra. El destapado "plagio" desmoronaba el endeble virtuosismo que había sustentado la mujer y estos contados casos probados eran prueba fehaciente de que se trataba de anteladas grabaciones de intérpretes que gozaban de fama mundial. ¿Cómo acabó el asunto?

He aquí una lista de lo que arrojó la puntual intervención de la British Phonographic Industry (BPI). La primera referencia, disco de Hatto con grabación pirateada, la siguiente, quehacer original :

Mazurcas de Mozart - Eugene Indijic (1988)

Concierto No. 1 para Piano y dos Rapsodias de Brahms - Horacio Gutiérrez

Sonatas de Piano Op. 2 de Beethoven - John O´Connor

Concierto para Piano No. 2 de Saint-Saëns - Jean Phillipe Collard

Trabajos completos de Piano de Chopin - Hurtados a Joanna Trzeciak y Jerzy Sterczynski.

Y la lista no termina.

Estamos, sin temor a equivocarme, ante el mayor caso de piratería (de ésta índole) registrado en la industria fonográfica, 110 plásticos y tres décadas de engaño letal, ¿algún otro expediente X que se le acerque? probablemente, pero quizá no se haya desmantelado aún; pero si hay que empeorar el cuadro, sépanse camaradas, que las Orquestas que, en suposición, alternaron y grabaron con Hatto, muchas nunca lo hicieron y el resto, sencillamente son inexistentes.

Ahora bien la pregunta obligada, basada en los que somos fans de alguien y nos implica el mayor de los compromisos y deleites ¿pues qué nadie la vio en vivo alguna vez? y si lo hicieron, "¿¿¿¿se la tragaron todita????". Increíble me resulta que en un círculo tan ecléctico y formal, nadie se percatara que algunas orquestas simplemente no eran del dominio público dentro de la vena, en verdad, ¡¡¡Increíble!!!

El actor intelectual de toda esta hecatombe dio la cara y afirmó:

"Lo hice por Amor a mi Esposa". Confesó que arropando la tecnología existente, comenzó editando algunas grabaciones y después ni tardo ni perezoso se aventó por las discografías completas, esto ante los limitados dotes artísticos e interpretativos de su mujer, acrecentados obviamente por el cáncer que la hacía presa. "Todo se salió de control" finalizó.

Así pues, esta escalofriante realidad es asunto para meditar y ponerse en los zapatos de los fieles seguidores; da hasta espasmo.

¿Será que Neil, Geddy y Alex, son ejemplos símiles de aquellos pelmazos abaniqueros ibéricos de mote Locomía?

¡¡¡¡Un cianuro por piedad!!!!

“DE VERDADERAS DIVAS”

"Regresa el halo de fluida esencia cubierto bajo el manto de la experimentación".

Una Reina y una Heredera.

Con sonoridades alérgicas como siempre, la hermosa, por dentro y por fuera, salda el pendiente que adquirió con sus súbditos desde aquel ’93. KATE BUSH sabe cómo hacer que lo ecléctico se filtre sin problema en masivos oídos. Hoy nos comparte una implosión tan emotiva que ya huele a legado, a enseñanza, la de siempre.

Los encuentros con la sorpresa son tan esporádicos pero tan reales, que doy gracias a la música por tales experiencias. Mientras barajeaba la portada del mítico "Vincebus Eruptum" (ya prácticamente descontinuado y harto ansiado por su servidor) y me deleitaba ante aquellas benditas suciedades, obra de los Padres de los power tríos y de la dureza en general (Blue Cheer), éstas se vieron turbadas por la leyenda que decía "Aerial": Kate Bush.... y mis ojos no daban crédito. El adeudo de años quedaba diluido.

Hablemos de la médula; existen dos planos, el líquido o más bien espeso "Mar de Miel" y el aéreo y dulce espacio que da cabida a una nueva faceta de la Diva: "Cielo de Miel". En esta lúcida entrega, Kate recolecta los frutos del amor, de la ternura, la niñez y sus sueños de encanto. Si bien, no me he empapado de la lírica a fondo, éso me transmite en vibra; una sensibilidad hacia lo natural inunda hasta el último rincón de todo lo impreso que, por cierto, no escatima en el más exquisito detalle y se muestra como una envoltura idónea que lleva a buen puerto todo este concepto celestial.

La primera parte (en cd específico) presume de un compendio de poesía, aderezado con elementos de trato electrónico y manejo de tecnologías audibles, el acabado es tan impredecible como halagador -no es para menos si la Reina sabe de quién hechar mano para solaparle sus osadías-; ahora que en específicos parajes, de no ser ex esposa de Gabriel, juraría que en algo habría tenido que ver el canoso. De la bataca se encarga Don Peter Erskine, el Stuart Elliot y un tal Steve Sanger. De las cuatro precisas, John Giblin y con las seis se discute Dan McIntosh, pero bueno, para qué puntualizo si el listado y los artefactos figuran a pasto y en larga lista. No los distraigo de la esencia, en resumidas cuentas son siete cortes que van de lo modernamente estético como "King of Mountain", hasta lo juglar de la medieval "Bertie". Vaya, todos ellos con la eterna e inagotable voluntad creativa de nuestra anfitriona.

El segundo acto se vuelca en un huerto mucho más acústico y engalanado por diseños de cuerdas que suelen acabar en tragedia a los sentidos, (culpa del ahora extinto Michael Kamen, ni más ni menos). Miren si no hay tal soporte a tanta sutileza que un contrabajo electroacústico teja esa seda de fondo a manos de Eberhard Weber, artífice que le pelean a muerte, al mentado Garbarek, un sin fin de consagrados. El menester es conceptual y de la mano música y letra nos hacen la vida aún más feliz.

No resta más que la insistente invitación a que se sometan a estas nomenclaturas obra de una Mujer que sin consigna premeditada, se ha convertido en el sendero a seguir de un sin fin de generaciones y vertientes, incluso desde antes que muchos –lectores incluidos- hubieran pisado la tierra.

Es vital el mencionar que su voz, sin temor a caer en decanto incondicional, está en su pico más alto, gozando de la mejor salud. Apoteosis total.

De su piano, me abstengo; sin aliento.

"AERIAL"

Demos paso a la Heredera. Una mujer que junto a Celine Dion, Shania Twain y la misma Dido, vende como pan caliente, pero a diferencia de aquéllas, su calidad creativa e interpretativa es volátil y sin sombra alguna. Podría ser más equiparable, sin duda, a Mujeres más trabajaditas como Suzanne Vega, Deborah Holland, Eddie Brickel, Aimee Mann y Paula Cole, sin embargo igual sería tiempo perdido. ¿Quién es TORI AMOS?

Creció en un ambiente de religión dada la esencia y actividades de su Padre, y de costumbres Cherokees por la descendencia de su Madre. Desde los cuatro años de edad daba de que hablar por su facilidad para aplicarse en el piano. Ya como estudiante en forma, fue expulsada de un par de conservatorios por su actitud poco conformista e incansable amor por el rock, folk, soul y un sinnúmero de híbridos de encanto.

Es hoy día una excelsa pianista que más allá de la exigencia técnica, la cual tiene a pasto, es el alma impresa en sus composiciones y ejecuciones la que no tiene parangón. También hace magia con sus diferentes Bösendorfer’s, cuya combinación resulta en una estética sonora tan idiomática como colorida. Pero lo que más me gusta, su "voz", es un verdadero ángel y si bien, la dulzura es una constante, cuando el sentimiento rasga es para quedarse perplejo; matiz, e intensidad como nadie. Harina de otro costal, el par de músicos que usualmente la acompañan en directo. El genial Matt Chamberlain en la bataca y el preciso Jon Evans en las cuatro gruesas.

En alguna ocasión leí un comentario ad-hoc de un periodista acerca de la obra de Tori y decía algo como esto: "Juzgar la música de Tori Amos con parámetros habituales es no tener la menor idea de qué se trata".

Recomiendo sin parpadear su trabajo de 2002 "SCARLET’S WALK", donde imprime dieciocho postales de historia íntima e independencia sensorial, escritos durante una larguísima gira que implicó la creación de este trabajo. Sin avocarme a cada una, piezas como "Gold Dust" son la prueba de los alcances de Amos; las cuerdas que emergen te anudan la garganta y uno imagina al mismo Sakamoto inmortalizado al piano y acumulando canas por la consigna.

Estaría mal no exaltar sus exquisitos acabados, el mentado viene acompañado de una caja con DVD extra (tres joyas), mapa de recorrido, stickers y colección de fotos Polaroid instantáneas; un todo, en ese bello diseño que ostenta la temática elegida.

No se diga más de su "The Beekeper" en formato de cartón digi-pack vertical que incluye, además del dvd adicional (con la explicación que requiere cada sección del disco), un sobre con semillas para que cualquier clavado pueda dar origen a cada una de las flores, tratadas en el contexto musical. La explicación se avoca a la inspiración para dividir el disco en secciones como la "Casa verde", "flores desérticas", "elíxires y hierbas", "rosas y gardenias" etc., etc. Verdaderamente, un trabajo inusual.

Su última osadía : "American Doll Posse". Sin palabras… Apoteósico trabajo. Ama y Señora de las ediciones especiales (que también incluye a éste último), es menester destacar su reciente colección de joyas bautizada como "A Piano". El empaque es precisamente éso, un Piano que guarda cual atesorado cofre, la exquisita obra sonora y palpable de esta Diosa.

Finalmente, la mejor manera de experimentar a la Reina Amos es en directo y, como no ha habido chance de lanzarse, "Welcome to Sunny Florida", el DVD que atestigua los quehaceres de la gira "Scarlet", da fé de una velada tan impresionante como emotiva. La señora al máximo con todos sus recursos y al desnudo, así como el par de fulanos -arriba comentados- que le acompañan, créanme camaradas, que arman una de las duplas rítmicas más sólidas y fascinantes que existen hoy en las músicas del mundo. Los mentados se mueven como peces en el agua en cualquier estilo y resulta imposible encasillarlos. Son un manjar en cualquier momento del recital y con aquella front-girl comandando, está uno caminando en el Cielo.

El bonus del DVD es un disco extra que contiene los "tesoros escondidos" (como fueron identificados), que en alguna ocasión estuvieron al alcance de los más persistentes y recalcitrantes dentro de su web.

En fin, con el deseo de que tengan tiempo de inmizcuirse en la obra de esta hermosa mujer, les aseguro que tendrán una alternativa más para deleitarse, máxime cuando la música exquisita es un vital y riguroso insumo a los sentidos.

Su web : www.toriamos.com

Ya en éstas andanzas de consagradas féminas, bien vale la pena regresar y aventarse el clavado con otra consentida, la Pantera N'DEGEOCELLO, sí, la MESHELL, tan grande como ella sola. El tiempo apremia. Hasta la próxima.

De Alma y sabor cariocas.

Hay músicos atemporales y uno de los motivos que me mueven a retomar esta añeja reseña que hice a uno de ellos y compartirla en este espacio con ustedes, es precisamente por su vigencia creativa y por ser uno de los personajes más disfrutables que haya probado en la música y vaya si los cuento con los dedos de una mano.

Aquì la médula està en los pensamientos, en las sensaciones, en la manera de aterrizar osadìas y en la fórmula para interpretar en vivo, casi imposible de replicar. Propónganselo y serán testigos de estas opiniones mías, solo echando mano del material de este personaje.

Hago referencia a un auténtico virtuoso nacido en Brasil y que haciendo magia en equipo a la usanza de consagrados como TOM ZÉ y GISMONTI, éste sujeto le ha dado a la mùsica contemporánea una vitalidad, frescura y visión realmente envidiables, más aún su originalidad.

Con un antecedente en directo salido de un dvd y un par de grabaciones ya bien digeridas, lo que me fue revelado como siguiente paso fue letal y salidos los créditos en la pantalla quedé con marca indeleble en mi búsqueda de asuntos que me sorprendan. Sea de paso, ese Dvd inicial se llama “Incité” y es un registro de él, Yusa una tremebunda bajista cubana y Ramiro el percusionista argentino y que con pocas horas de ensayo estallaron el escenario de un festival de avanzada en Francia, dejando en claro que el lenguaje musical que nato corre en la sangre, encuentra en sus afines un discurso ajeno a tiempos, distancias y entornos. No tengo duda en este momento que ha sido lo mejor que he visto salir de una pantalla en cuanto a conciertos se refiere.

LENINE el pintoresco instrumentista, compositor y cantante que se encuentra en envidiable momento siempre, accediò a un recital acùstico para ser emitido en el MTV Carioca. Captado de manera profesional, la transmisiòn grabada cayò en manos de un sujeto Cubano y sin saber de què manera pero llegò al aparato de un consanguìneo y de ahì la experiencia que ya es ahora todo un suceso.

Describo brevemente su quehacer, el tipo compone fenomenalmente, escribe letras sublimes y ejecuta en vivo de una manera indescriptible; aplica aquí lo trilladísimo de “ver para creer”. Música inetiquetable y que cabe en toda vertiente y a la vez no tiene cabida en los estándares abúlicos del mainstream.

De lleno en la noche grabada para MTV latino, le acompañaron invitados de lujo (como èl mismo afirma), asì pues vemos hacer de las suyas a gentes como Igor Cavalera (Sepultura), la paisana Julieta Venegas, y el mismìsimo Richard Bona, el “todólogo” que no necesita mayor carta de presentación. Imaginen pues este caldo de cultivo que al final explota en una sesiòn con orquesta de cuerdas y metales y donde ya la estancia es en el Cielo.


Un fuera de serie. Gracias inmensas a la mùsica por ello.

Ando tras esto....

Ya cazado acá lo comentamos. Será un placer compartir asuntos impredecibles y de primera.

HACRIDE
ZAZEN
DUNGEN
SPHERICAL UNIT PROVIDENCE
PITBULLS IN THE NURSERY
TORCHE
CHARRED WALLS OF THE DAMNED
TEXTURES
ASCENSION OF THE WATCHERS
MECHANISM
TWEAK BIRD
IDIOT FLESH
THE FACELESS
UNEXPECT
HYBRYD
SPHERIC UNIVERSE EXPERIENCE
OCEANSIZE
CONVERGE
MOUTH OF THE ARCHITECT
CULT OF LUNA
SCALE THE SUMMIT
SIEGES EVEN
VAUXDVIHL
IHSAHN
RISHLOO
RED SPAROWES
DREDG
VAST
MYOTONIA
HARLOTS
DAVID BAGSBY
SLAVIOR
THOUGHT CHAMBER
ZIMMERS HOLE
PERIPHERICAL
BURIAL CHAMBER TRIO
ASCEND
PRIAM
THE CINEMATIC ORCHESTRA
ZWAN
ROSE KEMP
VEIL OF MAYA
STICK MEN
MADE OUT BABIES
THE SOUND OF ANIMALS FIGHTS
THE OCEAN & THE SUN

Si alguien tiene material original de esto y se suma a la causa, contactamos.

Seguimos....

CAMPHOR palpita....

¿Que tienen en común individuos como Michael Brook, Chris Minh Doky, Marc Ribot, David Torn, Robert Fripp, Holger Czukay, Shree Maa, Ruichi Sakamoto, Nils Peter Molvaer, Bill Fisell, Bill Nelson, entre otros que por tiempo y espacio omito?

Pues el simple hecho de prestar sus manos con oficio para darle forma a las obsesiones sonoras de DAVID SYLVIAN, uno de los más grandes estilistas de la música contemporánea, la ubicada como inetiquetable; mismo responsable de la irritabilidad de quienes a costa de todo, encasillan hasta los entorchados que componen al instrumento.

Todos ellos forman un colectivo que se antoja como para la soñada Big Band que más de una vez rondó en nuestra mente, sin embargo y por desfortuna cada uno aportó su semilla en su tiempo y en el lugar específico, pero eso no evita el sentir un inminente viaje basado en amistad entrañable y el interés común.

Profundizando un poco en la labor individual, un Brook que suele ser amo y señor de espacios inexplorados con la guitarra, se descubre ahora con “Red Earth”, en una faceta como artífice de las frecuencias de una Conga grave; por su parte Minh Doky, erudito en el acto de enamorar al Contrabajo, cumple a lado de Ribot (demente que desconstruye todo lo establecido) la consigna de dar vuelco a “All of my Mother’s Names” bajo petición y lineamientos del Bello de Lexington, en una exquisita nueva versión de la ya degustada original que forma parte de la cartera del “Secrets of the Beehive”.

Fripp, el ideólogo de la neurosis, firma los momentos precisos para satisfacer a todos los amantes de la acidéz y la estética del caos, “Wave” y “Upon this Earth” le dan cabida, éstas además remezcladas y tratadas en laboratorio. Shree Maa se levanta el velo y a muchos nos enseña que al igual que los músicos, las talentosas voces no esperan a ser descubiertas, se descubren solas, “Praise (Prata Samarami)” que mejor carta de presentación; por cierto también le hace a la Tamboura de arraigo : “The song wich gives the key to perfection”, en ella se suma además un Sylvian que juega con la garganta y define en lengua extraña uno de los momentos más sublimes del disco. Finalmente lo que Torn, Nils Petter Molvaer, su inseparable Nelson y varios más logran, no son asuntos que se encuentran a la vuelta de la esquina, son la química y el entendimiento las causantes de tales acontecimientos. Catorce cortes en total forman ésta Piedra de Roseta. Es la homónima, el ansiado estreno que rompió el silencio del “Frontman” en su momento.

Es un deber crear espacio dedicado a uno de los más brillantes e interesantes multi-instrumentistas de los aquí y en cualquier parte citados, se trata de Ruichy Sakamoto, un genio ya consumado que no tiene sombra en un puñado de peculiaridades, las más trascendentes, el reinventar las resoluciones en el Piano y la manera de “orquestar”, convirtiéndose en núcleo central y transmisor de energía, cubriendo así de luz en su totalidad al entorno, chocando en notas y a la vez dejando fluir lo ajeno como si nada estuviera pasando.

Pero bueno, imaginen ahora que este sujeto (Sakamoto) ha sido mancuerna perfecta a la izquierda de Sylvian, así pues el honor en su peso más insoslayable es para éste último, quien ha dado origen a toda esta pleyade de atmósferas y posibilidades que en el saldo (y lo digo con pasión sí, por que así deben ser las aficiones, definitivas y siempre en incremento) son un compilado de emociones que respiran por sí solas, enfermizas en los detalles y siempre, siempre impredecibles, dando rienda suelta a nuestra imaginación y a tantos desenlaces deseados.

En ésta edición, un Bonus CD integra de igual forma el paquete y en éste, el autor le da espacio a otra mancomunión con compatibilidad de caracteres, se trata de una pizca de los trabajos realizados con Holger Czukay, quien no necesita presentarse acá, solo tomar los controles; el invitado de lujo hizo chispa con el inglés y el saldo fue estrepitoso, Plight (The Spiralling of Winter Ghosts) , Mutability (A New Begining is in the Offing) y Premonition (Giant Empty Iron Vessel) te llevan de la mano abriendo puertas en las que jamás se imaginaría uno inmerso.

Comentar que éste álbum doble es de Rock, de Jazz, de Ambiente, de Electrónica, de Fusión misma, etc., es quedarse corto. Existe un espíritu de cada vertiente, sí, pero lo más justo y real es afirmar que es “música en estado puro”, generada por individuos que en esos días y como siempre, estaban inspirados.

Este trabajo que desde su diseño exterior da fé de su entraña, es pareja obligada de aquel “Everything & Nothing” que si bien se mostró como el sustento enciclopédico de la obra de Sylvian, es “Camphor” la tesis del otro hemisferio de David, el instrumental, el de texturas hipnóticas y abstractas, que a momentos suelen ir de lo sutil a lo intenso y siempre en terrenos grandiosos; en ocasiones y en ciertos espacios parece interpretado por el viento, por ello no queda la menor duda, Sylvian es un ejemplar en extinción de una conocida especie que vive un paso adelante, que repele la abulia y los esplinéticos estándares, dejando huella de suprema valía en quienes le disfrutamos y reconocemos.

Compruebo que en ocasiones uno recibe impresiones fuertes que son determinantes para toda la vida en cuanto a gusto y predilección se refiere.

Si se es melómano DAVID SYLVIAN en definitiva concierne.

Poesía pura y fundamental en una época en que a muchos músicos les falta más seso y les sobran manos.

"El Cagón"

El móvil fue un viaje de trabajo, de aquellos que se agradecen por siempre y si bien era de placer, la agenda trazada por las cabezas no permitía ningún desliz, bueno casi ninguno.

Deambulando frustrado tras una fallida intentona por ver a Wayne Horvitz en carne y hueso, culpa de la mentada agenda, sigo caminando y babeando por la belleza del entorno, en eso se me cae una moneda al suelo y al recogerla levanto la mirada y me topo con un cartel mal pegado y desgastado por el clima. “Of Whales an Woe” Tour; ya masticada en la mente una portada sobre un disco recién salido, ello me hace chispa y efectivamente se trataba de LES CLAYPOOL, sí, el monstruoso instrumentista y compositor de distorsionadas realidades. Idolo de juventud y un referente consentido para siempre.

Murphy una vez más dicta sentencia para el caso, una cena de gala a manera de clausura de aquellas que en el protocolo llevan el hastío a niveles insospechados es justo a la hora de la cita del buen Les y su servidor. No hay tos, pienso, y me aplico ese viejo truco de imaginarme en la cima de lo ansiado y sin consecuencias, en frase mundana más vale pedir perdón que permiso. La hora de la cena, introducción eterna, una temrpana explosión del grupo latino que ameniza con covers de un mundo que desea uno ya extinto, y sucede lo inevitable, no hay otra que tirarse al suelo, salir pecho tierra y pese a la corbata, el zapato bostoniano, el bastón, el monóculo , y la incomodidad que esto conlleva, la historia estaba escrita., Bueno, comenzaba a escribirse.

La entrada al supuestamente modesto Bar anunciaba hecatombe y si bien unos dedicados “Rasputina” calentaban la olla, nadie imaginaba lo que a pocos minutos sucedería en ese atascado inmueble. Más de 2000 enajenados entusiastas.
Se enciende luz tenue y en un parpadeo, el monstruoso Claypool sin agua va, con la mano derecha destapaba la tapa de los sesos de todos los que estábamos ahí, en lo que sería una de las noches interpretativas más impresionantes y fascinantes que haya yo experimentado.

Gabby La La, la oriental del colectivo, cargaba tremenda Sítara que hacía sonar cuando el ambiente era apto 8eso se agradece) y su saldo fue creciente. Un Sax tenor se hizo cargo de amedrentar a los oídos más castos (que no había ninguno, esa es la verdad) en una verdadera cátedra de improvisación y buen gusto por lo impuro, incluso un delay solapaba las frecuencias más abrazadoras de aquel novel Skerik . Percusiones a pasto, el primer set encerraba a Mike Dillon diestro absoluto de los Vibes y el Xilo, también hizo uso de la magia que ostentan juguetes como el dumbek, tablas y tanto madero emparchado; cabe mencionar que una atinada vía midi como salida encerraba aquellos hipnóticos sonidos en una burbuja nunca antes vista (y hablo por mí), una bestia éste tipo. Finalmente el set de bataca de otro tremebundo desconocido, me distraía mucho por su brutal independencia, misma que nunca desentonó en el paquete completo que ofrecía Don Claypol en su nueva faceta de emprendedor solista.

Describir los quehaceres del ex-Primus, Sausage, Oysterhead, Frog Brigade y Bernie Brainchero creador, es imposible y más aún montado en un teclado. Una lección de alcance humano fue aquello en primera instancia y dando paso a una prueba fehaciente de que el recurso material es un mero pretexto, lo que se aterriza y transmite de esta forma, solo se trae en la química del cuerpo y se nace con ello. Salió para “Nothin Ventured” con una máscara de simio y un palo de madera con solo tres cuerdas, una jaladora de pozo como amarre y un arco de chelo, para hacer sonar aquello como nunca, ni por asomo alguno imaginamos, incluso en varios temas armado de un Up-Right y su camuflaje de Elvis, dio cuenta de una técnica sobrenatural, de un gusto en la creatividad indescriptible, pero sobre todo de una entrañable comunicación sonora no solo con sus comparsas de tarima, igual con aquellos que le rendimos pleitesía. Hubiera pagado por que vieran las caras de quienes por azares del destino involuntarios ahí estaban y se les develaba aquello como a un pirata de mar la tierra firme.

Una noche de magia Zappezca, de atroces onduras funk , de un encuentro real y palpable con culturas audibles que solo pueden encontrar paraje en libertades jazzeras y post-bopianas, disepensen y acéptenme el término.
Concluyo el compartirles esta experiencia con un “Larga vida al CLAYPOOL y a su incansable necedad de darle forma y sonido a todo lo que le atormenta en sus peores noches de pesadillas”.

Vancouver B.C., Commodore Ballroom, siempre en mi memoria. Yo, el afortunado “Cagón”.

Acartonada y colorida presentación de la Prawn Song Records el disco ““Of Whales an Woe” y un bastardísimo registro en video "Live Summer 2006 - A Fan's Perspective", lo único que sustenta en cierta forma, todo lo descrito allá arriba, pero no me hagan tanto caso, finalmente las versiones de película saben mejor cuando personalmente te sometes y sacas tus propias conclusiones. Prueben a Claypool entonces, ese si es un deber mis amigos.

Simplemente :


R U S H


"27 de Septiembre"

"A 6 o màs cuerdas"

La Lira y sus alcances, instrumento con voz propia y que en manos diestras suele emanar poesía en muchos casos insospechada.

Hablar de tantos super dotados en este artefacto y que su hacer es apoteósico en diferentes vertientes y propuestas sería exhaustivo y no es el caso; avoquémonos al ROCK estrictamente :

Mi Top Ten quemado en un disco y rumbo a la Isla Desierta :

LERXST LIFESON - "Limelight" : Es el Alma en la mano y el inmenso disfrute y dicha por lo que se hace. INMENSO Maestro de lo sublime y lo

STEVE MORSE - "Sacred Ground" : Todo en ella es el paraje donde siempre desea uno estar. Un auténtico All Around del instrumento. SIR Dixie Dreg Morse.

ADRIAN BELEW - "Matte Kudasai" : Si esas gaviotas hablaran solo podrían referir la manera en que el Crimsoniano front-man le hace el amor a la guitarra.

MICHAEL HEDGES - "All Along the Watchtower" : Este corte en directo es la prueba fehaciente de que uno recibe impresiones fuertes que son determinantes para toda la vida en cuanto a gusto y decantos se refiere.

KIRK HAMMETT - "Fade to Black" : La grasa no está peleada con el sentimiento y si algo pudo haber devastado al más rudo de la palomilla, no fue otra cosa más que la pleyade de entrañables solos de esta rola, cuando uno se sometía a sus nomenclaturas. Larga Vida al "Ride the Lightning".

MICHAEL BROOK - "Every Colour You Are" : Asiduo comparsa de David Sylvian y de otros de la especie. Este sujeto hace del viento su campo de diálogo y del oxígenado sonido su principal herramienta. Si se es melómano en definitiva Brook concierne.

RON JARZOMBEK - "The Fall of Reason" : Comandante en jefe de Watchtower y Spastick Ink, acá lo de Ron no es el sentimiento como le conocemos normalmente, es esa empecinada tarea de recurrir a la tremebunda técnica y sus alcances, en alguien adiestrado, lo que conlleva un frío sentimiento de su reputísima madre!!!!!

ANDY LATIMER - "Ice" : ¿Habrá una manifestación guitarrística más lastimosa y de tan sublime belleza como ésta? En éste momento, lo dudo. Camel y al desnudo.

JIM MATHEOS - "Astronomics" : Amante de las frecuencias New Age, de la Naturaleza y la instorpectiva, éste hombre a la par de sus hechuras con Fates Warning, nos ofrece un compilado de sentimiento en punto de ebullición, solapado por nombres como los de Manring (el mejor bajista que hoy pisa esta tierra), Bisharat (Shadowfax) y Zonder (su carnal de banda). Escucharlo para creerlo y quedar hipnotizado para siempre. Todo ése album es una proeza. "Away with Words".

STEVE WILSON - "Trains" : Amo y señor de las osadías del combo Porcupine, en éste plato y con éste corte, el inglés da fé de su entraña y de las finuras de las que és capáz cuando arremete las seis cuerdas.

Muchos más los que faltan y que servirán de pretexto para continuar con ésta tertulia.

Saludos a todos.

De vuelta.

Re-activando este asunto.

Saludos.